MOZARTはたのしく

　Mozart の "Exsultate Jubilate" の全体像が見えてきた。たぶん、本番は120ぐらいなんだろうけど、とりあえずメトロノームを80にして第一楽章を通す。何箇所か指が回らないところがあるけれど、なんとか最後まで通せるようになった。第二楽章は緩楽章なので、速さは問題ない。第三楽章は何となく簡単そう。そこで、メトロノームを100にしてやってみる。おや不思議。指が回らないところは相変わらず回らないけれど、他のところは弾けるじゃん。

ここまで来たらゴールは見えてきた。
そんなに焦らなくても大丈夫だろう。
↑ウサギとカメのウサギみたいな心境

　本番より多少遅いとはいえ、メトロノームを鳴らしていると、なんとなく主旋律がイメージされてくる。YouTubeを開けばいくらでも音源がある時代だから、何度も繰り返し聴いて、だいぶイメージが付いてきている。オーケストラを聴きながら、自分のパートをイメージできるようにもなってきたし、反対に自分が弾いているときも他のパートだとか、ソプラノの声がイメージされるようになってきた。そうなると、弾いているのも結構楽しい。予想通り、練習しながら一人で盛り上がることもしばしば。
あぁ、ここ、Mozartらしいなぁ
なんて思うと、早くそのフレーズをアンサンブルで合わせたくなる。まだちょっと速さが足りないんだけど、少なくとも、2年前にやったBachの Brandenburg Concerto よりは、弾けている度合いが高い。

　レッスンの方は、『ヴィオラ名曲31選』の1番、Ave Verum Corpus が、いろんな課題を残したまま、
こればっかりやっていても飽きますから
という理由で卒業。いや、ほとんど中退だ。次の Mozart ピアノソナタ11番のテーマも、次ぐらいに強制退学させられそうな気配。そしてMozart ヴァイオリンDuo 2番をヴィオラにアレンジしたやつは、ゆっくりなんだけど楽譜が真っ黒。Ave Verum Corpus の７～８曲分ぐらいの音符があって、最初の12小節から先に進めない。

　そんなわけで、しばらくはMOZART地獄の様相を呈していたのだが、ちょっとそろそろ他の曲も、という雰囲気になってきている。

ゆっくりの練習は一人でしか出来ない

　楽器の練習はどの楽器でも同じだと思うのだが、新しい曲をもらって、それがいちおう弾けるようになるまでは、かなりの忍耐が必要だ。いや、誰でもそうとは思わないが、私のように譜読みがままならない上に、読めたとしても思ったように手が動かないとなると、もらった曲をひと通り通すというところまでがとても長い。それが弾ければ達成感もあるし、曲に興味があれば、他のパートが重なるところを想像して、一人盛り上がったり、楽譜に書かれている強弱記号とかを手掛かりに、「ここはこんな感じかな」なんてことを考えて工夫してみたり、それで何となく完成度が上がったように勘違いしてまた盛り上がったりと、練習も楽しくなってくるものだ。しかし、その前段階は、出来ないところで止まると、何度やり直してもそこを越えられない、ということの連続。最初に止まったところは何回でも練習して乗り越えるのだが、次に止まったところは3回やって出来なかったら、お菓子とかコーヒーとかスマホに手が伸びてしまう。

　もっか取り組んでいるのは、もらった3曲の中でいちばん美しいと思った Mozart の "Exsultate Jubilate" の第1楽章。この前、練習を見学したときは、ほぼ本番のテンポ通りに弾いておられたので、5月の練習合流までにそれぐらいまではやっておきたいところ。四分音符120ぐらいだ。
　ところが、出だしの16分音符で先に進まなくなる。焦れば焦るほど、フィンガリングとボウイングが合わなくなってしまう。特に小指を出さなければいけないところはフィンガリングが遅れがち。レッスンで見ていただいている曲で、小指を巻き込まないようにする練習をしてきたのだが、こういうところでその成果が発揮できない。

　先生曰く
　駄目ですよ。速く弾いちゃ。
　まず、最初から最後までゆっくり同じ速さで弾けるようになってから速くするんです。

　やっぱりお見通し。
　でも先生、5月までにこのテンポで弾きたいんです。

　その練習は5月になったら出来ます。
　ゆっくり弾く練習は一人でしか出来ないですよ。

　深いよ！
　深いよ、先生。

　まずは、メトロノームなしに、フィンガリングの練習だと思って、最初の16分音符を、小指を巻かないように気を付けて弾く。この曲はヘ長調なので、D線とG線の2指が1指にくっつく形になる。その状態で3指をポイントするとどうしても4指を巻いてしまう。この前までレッスンで見てもらっていたのはト長調だったので、2指は3指の方にくっつく形。私の場合、これだったら小指を巻かないで3指をポイントできるようになったのだが…。
　そんな泣き言をボソボソ言いながら、4指で関係のない隣の弦を押さえた状態で他の指を動かす練習。譜読みどころではない。

　嗚呼まだ先は長い

オケ始動

　先日、アマオケの練習を見学してきて、楽譜をもらってきた。
　２年前にも一度お世話になったオケだ。その前の年に定期演奏会を聴いて関心を持ち、ブランデンブルク協奏曲をやると聞いて、５月ごろのひょっこりと見学に行って参加させてもらったところだ。同じ県内ではあるのだが、うちの県は真ん中におおきな淡水の海があって、向う岸に行くのは一苦労。平日にやっている練習に参加するには、チャイムとほぼ同時に退勤して駅まで小走りに歩いて、ぎりぎり練習開始に間に合う、というか20分ほど遅刻で参加できるという距離。結局、この地理的条件が最大の理由で、定演以降は続けられなかった。その条件は何も解決できたわけではないのだが、一度参加するともう一度参加したくなって、また片道2時間かけて通うことにした。本格的に練習に参加できるのは、会社の都合で５月以降。今年も10月1日の定期演奏会までの期間限定の参加になる予定だ。
　短期間の参加だったのに、みなさん覚えてくださっていて、快く迎えていただいた。定演の曲は1月ぐらいから練習されているようで、既に、ほぼテンポ通り最後まで通せるようになっている。だいぶビハインドがあるのは否めない。5月までに、なんとか通せるところまでは追いついておきたいのだが、果たして・・・

　レッスンの方は、引き続き、『ヴィオラ名曲31選』（ドレミ音楽出版）を続けることにした。そういうレッスンをしていないと、基礎が身につかないとしみじみ実感したからだ。オケの曲をやっていても、ポジション移動にそれほど抵抗がなくなっていたり、意識さえすれば4指をスムーズに出せるようになっていたり、半年ほどの間に目に見える成果が出ている。期日があって、それまでに弾けるようにしなければいけないという練習では、どうしても妥協を重ねることになってしまって、出来ないことを出来るようにするよりも、出来ないことを如何に避けるかに傾倒しがちだ。
　どれだけ、レッスンの曲とオケの曲を並行して練習できるのか、なかなか見通しがつかないところではあるのだが、「もう駄目だ～」となる直前までは頑張ってみようと思う。

いい曲ですね

　ヴィオラだとかヴァイオリンをやっているというと、クラシック音楽に造詣が深くてなんでも知っているように思われることがあるが、少なくとも私の場合はほとんど知らない。とにかく１曲弾くのにとても時間がかかるので、そんな次から次へといろんな曲を弾くわけではないし、コンサートに行ったりＣＤを聴いたりということも、めっきり減ってしまった。

　最近、気になる曲を３曲。いちおう年代順に

　

　最初はあるアルカンジェロ・コレルリの合奏協奏曲１番。コレルリの合奏協奏曲 作品６の中では、８番のクリスマス協奏曲が有名だけれど、他の曲もいい。これはそのうちの最初の曲。バロック時代の曲は、後の時代のものに比べるとあまり難易度は高くない。これはどうかわからないけど。合奏協奏曲だから、ヴィオラにもちょっといいところが回ってくるかな？

　次はモーツアルト。

　モーツアルトの曲って、いかにもモーツアルトって感じがする。コレルリやヴィヴァルディやバッハとは明らかに違う。古典派っていうのだそうだが、古典派の中でもモーツアルトはやっぱりモーツアルトだ。サザンオールスターズの曲を聴いたら、誰が歌っていてもサザンの曲だな、ってわかるのと同じぐらい、モーツアルトの曲を聴いたらモーツアルトの曲だな、ってわかる。これもそういうモーツアルト感満載だ。

　１６分音符、速えーよ。

　最後はエドワード・エルガー。19世紀後半から20世紀前半に活躍したイギリス人。クラシックの中ではだいぶ新しい人だ。年代が新しい人の場合は、それまでになかったものを作ろうという動機があるので、斬新なリズムだったり、途中で転調をさせたりして変化を付けたり、技巧的にも難しいものを要求してきたりする。

　でも、これいきなりヴィオラから始まるじゃん。

　大曲はこの3曲で、あとは小品がいくつかあるらしい。

　

　はい。

　そうです。

　オケに載ります。

　たぶん。

考えすぎない

　このところ、比較的ゆっくりした曲を丁寧に弾くことが課題になっている。曲のレベルから言えば、たぶんスズキの２巻とか３巻ぐらいのレベルなのかもしれない。ちゃんと音程がそれらしくとれて、「あ、バッハのアリオーソだね」とか「モーツアルトのアヴェ・ヴェルム・コルプスだね」ってわかってもらえるレベルなら、もうこの曲も卒業なんだろうけれど、なかなかこれが卒業できない。自分でもあまり満足のいくものになっていないのだから仕方ないのだが。

　前回のレッスンでは、フィンガリングを自分で変えてみたヴァージョンを診てもらって、そのうえで、ここもあそこもと修正が入った。移弦をするとどうしても音色が変わる。ゆっくり目の曲だとそれが目立つので、できるだけ同じ弦で弾くのがよいということだ。これは納得。確かにすぐに隣の弦に移弦するよりもポジション移動して同じ弦を使う方が、フレーズのつながりが出てくる。自分でフィンガリングを変えたのも、そこまで意識していなかったけれど、結局、そういう動機だった。
　ところが、こうなるとポジション移動がちゃんとできるかが新たな問題になってくる。それを解決しないままレッスンを受けたのだが、それが、ただサードポジションの音程が悪いだけでなく、それを誤魔化すためにボーイングまで小さく（というかいい加減に）なっていたり、速く済ませてしまおうとしてリズムが変だったり、いろんなところに出てしまっているようだ。

　今回のレッスンで問題になったのは、主にはボウイング。
　音を続けようとして弓を返すところを意識するから、返す直前のところで無意味に弓速が速くなってしまっていたり、テヌートで「丁寧に」弾こうとして中膨らみになる傾向があったり。どうもいろいろ考えすぎているようだ。

　何も考えてないと、子供の発表会みたいな無味乾燥な演奏になるし、考えすぎると変だし。何も考えないでちゃんとした演奏ができるようになるには、いったい何を考えて演奏すればいいのだ。とまた考えてしまって変な演奏になりそうだ。