パレート８：２の法則

　アンサンブルの本番に向けて練習を始めてから3か月。本番までの日程の８割ぐらいを消化した。全体の８割ぐらいは弾けるようになった感じなのだが、まだ弾けない残りの２割を、残りの２割の日程で消化できるかというと覚束ない感じだ。私はこれを「パレート８：２の法則」と言っている。

　パレートは19世紀末から20世紀にかけて活躍したイタリアの経済学者で、所得分布の統計的観察から「パレートの法則」という法則を見い出した人で、私が理解している範囲ですごく簡単にいうと、世の中、2割の金持ちが8割の富を独占していて、残りの2割の富を8割の人間が分け合っているというものだ。
　これを応用して、世の中、8割の成果を挙げるためには2割の努力で済むが、残りの2割の成果を挙げて仕事を完成させるには8割の努力が必要だという経験則にを「パレート８：２の法則」と言うことにした。

　要領のいい奴は、だいたいできたところで「もうほぼ完成です」と言って上司を満足させ、あとは深追いせずに、もうそこで出来たことにしてしまう。効率性からいうとこれも非常に合理的な方法だ。
　しかし、仕事の内容によっては、8割では許されないものもある。だいたいできたところで「あとはよろしく」と頼まれて、完成させるまでさんざん苦労しているのに、自分の成果にはならない、という苦労を経験しておられる方も多いことだろう。

　しかし、世の中、この2割が大事なのだ。
　いま佳境を迎えている高校野球でも、そこそこに練習をしていれば8割ぐらいの打者をアウトにすることはできる。残りの2割をアウトにできるかどうかで勝負が決まってくる。
　アンサンブルでも、比較的簡単なところとか、ユニゾンのところとか、あまり自分が目立たないところは、少し練習すれば弾けるようになるのだが、パートソロのところとか、ここは聴かせどころ、というフレーズに限って、いくら練習しても弾けるようにならない。そこさえ弾ければいいのに、と思うのだが…。

　とは言っても、やはりある程度弾けるようになると練習も面白くなってくる。

　最初のうちは、いくら練習しても先が見えなくて、1時間続けて練習するのが苦痛だったのだが、最近は２～３時間があっという間に過ぎてしまう。まず、レッスンで指導いただいたように、付点音符のところとか大移弦とかをゆっくりと練習。それから録音に合わせて弾く練習。そして弾けなかったところをもう一度。そんなことで1時間。これを3曲分。練習しても練習しても、弾けないところはなかなか弾けるようにはならないというのは、最初のころと同じなのだが、それでも、「ここさえ弾ければ」と思うと、自分を奮い立たせることもできる。

　盆休みの間にもうすこし完成度を上げたいところだ。

Marcello

　正直に言うといままで名前を知らなかった作曲家なのだが、この曲は知っていた。
　ちゃんと弾くとこうなる。



　映画音楽に使われて有名になったらしいのだが、私はイージーリスニング（この言い方も旧い響きだが）で聴いて覚えている。

　いま、アンサンブルで課題になっている曲は、ずっと苦労しているブランデンブルクときのうの記事で紹介したテレマン、そしてこの曲だ。その中でこの曲がいちばん短く、譜面はいちばん簡単そうに見える。
　しかし、聴いてもらった通り、音色は結構微妙な（趣深く、何ともいえない美しさや味わいがあること。また、そのさま。みみょう。コトバンクに掲載されたデジタル大辞泉より）ものを要求される。ブランデンブルクやテレマンのように、リズムや速さで適当に誤魔化しながら弾くことが出来ない。

まず初っ端。主役のオーボエはお休みで、弦楽器がユニゾンで弾くところなのだが、先生曰く、この4小節でソロのやる気が決まる、という恐ろしいフレーズ。
　問題なのは随所にある大移弦　※隣の弦じゃないところに移弦することね。
　どうしても、ギッコッ！となってしまいがちだ。前回の練習で何度もＮＧがでた。アンサンブル練習も、譜面通りに弾ければいい、あるいは弾けているように聴こえたらいい、というところから一歩先に進んでいる。こっちとしては、ブランデンブルクにかなり気を取られて、まだ譜読みも怪しいのだが・・・

　そういう状況だと、どうしても「早く周りに追いつきたい」という思いから、基礎練習が疎かになりがち。練習のときの録音を聴きながら、それに合わせるというような練習をしていると、速さだけは合わすことが出来るのだが、音色を合わせることが出来ない。

　そこで先生のアドバイス。
　ゆっくり弾きましょう
　速く弾くのはアンサンブルのときだけ。ひとりで練習するときはゆっくり弾くのですよ～、ということだ。大きく移弦をすると音色は崩れがち。まず、移弦前と移弦後のちょうど間ぐらいのところで右肘を固定しておいて、手首の形に気を付けながら、肘の先を出来るだけ小さく動かして移弦する。弓を返すところは慌てないで、弦の上にしっかり弓が載ってから動かし始める。自分一人の練習だから、他の人とリズムがあっていなくても構わない。
　ゆっくりでこれが出来るようになったら、速く弾いても出来るはず、ということだ。

　第一楽章の終盤に差し掛かるところ。動画では1分12秒ぐらいからのこのフレーズも、ヴィオラの微妙な弓さばきが求められる。主役のオーボエを引き立たせるように、そしてもの哀しい雰囲気を醸し出すように、静かに、しかし針のような細い線が確実に観客席に届くように弾く。

　だいたいフォルテは何も考えずに思いっきり弾けばいいのだが、ピアノは難しい。「弱く」ではない。「小さく」でもない。弓を軽く持って「フニャフニャー」と弾くのではなく、しっかり弦に重みを乗せながら、少し弓を倒して弦に触れる毛の面積を少な目に、そして指板寄りを弾くことで音量は控えめに、しかし鋭さを保って、音を短く切りながら弾く。

　むむ…、譜面通りに弾くだけなら簡単なのだが…。

　そして第三楽章の最初。ここもオーボエ以外で音を出しているのはヴィオラだけ。
　アンサンブル練習でここは開放弦禁止令が出てしまった。
　他の箇所で出ていないのが不思議なんだが、ま、そこは先生もあまりハードルを上げるととんでもないことになるのは分かっておられるので、あまり無理は仰らない。しかしここだけは開放弦はダメ。
　じゃ4指でということになると、それはそれでまたたいへん。音程は定まらないし、音色は崩れるし。
　そこで先生の指示はサードポジションで、ということなのだが、これがまたたいへん。なんと、うちのアンサンブルのヴィオラ担当は、全員、サードポジション忌避気味だということが判明。特にＧ線やＣ線のサードポジションは指が遠い。
　そこを何とか弾くと、もうそこで力尽きてしまって、そのあとが続かないという始末。

　むむ…、譜面は簡単でもなかなかスッとは弾かしてもらえない。

付点音符

　難曲ブランデンブルクはなんとかカタチになってきた。弾けるところに印をするより、弾けないところに印をする方が楽になってきて、あとはその弾けないところのうち「もうここは弾かない」とあきらめるところと、「ここはなんとか弾かなくては」と踏ん張るところを峻別するところまで来た（ｷﾘｯ！

　それで今月は、そのブランデンブルクのために後回しにしてきた他の課題曲を中心に、ブランデンブルクと同じレベルまでなんとか持って行く。

　ブランデンブルクは、ヴァイオリンが弾いているメロディがそのままヴィオラやチェロにまで降りてくる。同じ旋律がいろんなところからカタチを変えて現れてくるのが楽しい曲だ。しかも人数の少ないヴィオラが3パートに分かれる。私のパートにはちゃんと弾ける人が他におられるので、さっきみたいな甘々の目標でもなんとかなりそうなんだが、他の曲に比べるとヴィオラ泣かせの曲だ。

　そんな訳で他の曲は後回しになっていたのだが、そろそろそうとばかりも言っていられなくなってきた。

　まずはTELEMANN。

　ヴィオラ弾きとしてはト長調のヴィオラコンチェルトで有名な作曲家だが、今回弾くのは「Ouvertuere "La putain"」。これもト長調で、軽快な明るい曲だ。

　この曲を弾くにあたって課題なのが付点音符。バッハやヴィヴァルディにはそれほど出てこないのだが、テレマンにはやたらに出てくる。

　写真は付点音符の多いところを抜き出しているのだが、ご覧のとおり、付点四分音符と付点八分音符が、まるで付点音符のエクササイズのように出てくる。この付点音符のリズムがなかなか取れない。アンサンブルで弾いていて、まわりとタイミングがあっていないのは分かるのだが、自分が早いのか遅いのかがよく分からない。

　最近、レッスンの方もアンサンブル曲ばかりを見ていただいているので、今日のレッスンでは、この付点音符の練習の仕方を教授してもらうことにした。

　まず、感覚で弾かないこと。

　えーーーーーー、そうなんですか。

　私は感覚で弾くものだと思っていました。例えば、スキップをしながら弾くとか、いやスキップしたら弾けないから、せめてスキップしながら歌って、リズムを身体で覚えたうえで弾くとか、そういうものかと思っていたのですが、さに非ず。

　付点八分音符が出てくるところは32分音符に分解して、タタタたタタタたタタタタタタたぁ　と弾いてみる。アンサンブル練習のときは「ゆっくり」という訳に行かないから、普段ひとりで練習するときにしっかりそういう練習をしておく。その練習で躓くところは、スピードが上がったときにも必ず躓く。だから、まずはゆっくりの練習で躓かないところまで練習する、という訳だ。

　はい。王道ですね。

　ブランデンブルク以外の曲も、「こういうところがいい」というところはそれなりに難しい。ブランデンブルクほどヴィオラ泣かせではないにしても、けっして甘くはないようだ。
　

ふりがな

アンサンブル練習の帰りに団員の方と同じ電車に乗った。このアンサンブルは地元の方が多く、電車で通うのは少数派。一緒になったのはいつも超絶技法！を披露してくださる方なのだが、楽譜を拝見すると、全部に階名と指番号が振られていた。

　練習のときに、いきなり楽譜が配られて、初見大会よろしく練習することがあるので、みなさん、音符を読んで初見で弾けるものと思い込んでいたのだが、それぞれ見えない努力をされているのだと、そのときに思った。

　ヴァイオリンを弾く人の中には、相当長くされておられて超絶上手い人の中にも、ドレミが頭の中にない、という方もおられるようだ。目に入った音符が頭の中で指番号に変換され、それで身体が動く、という具合だ。
　私も、ト音譜にはよく指番号を振っていた。ト音譜の真ん中のドよりも高いところとか、下線のドより低いところとかは、ドレミなんてまったく頭の中にはない状態だ。

　それがハ音譜になって、それまでは小学校で習った知識でなんとか一部は読めていたものが、まったく読めなくなった。それで仕方なく、音符に全部ドレミを振るようになって、音符→ドレミ→身体　という回路がだいぶできてきたところだった。

　そうは言っても、反射的に動けるのは、ハ音譜の真ん中のドからラぐらいまで、それもファーストポジションだけだ（←ほとんどＤ線だけ、ｷﾘｯ）。それも、音符→ドレミ　というプロセスが弱く、フリガナのドレミを見て身体を動かしているという状態だった。
　自分としては、次は、フリガナを見なくても音符からドレミを連想できるようにして、それで自動的に身体が動くというところを目指していたのだが、これはかなり時間が掛かりそう。時間が掛かるけれど地道にやっていかなければ、と思っていたのだが・・・

　このところ、レッスンでもブランデンブルクを見ていただいていて、運指と練習方法についてアドバイスをもらっている。それでフリガナの振り方の話題になって、先生からも指番号を振るようにご指導があり、それまでは指番号を振ることをなんとなく「後退」しているように思っていたのが吹っ切れた。高いところは赤、低いところは青、なんてことも先生からアドバイスしてもらった。

　アンサンブル練習の帰りの電車で見せていただいた楽譜には、オレンジ色のペンでフリガナが振られていたので、それに倣ってオレンジ色で書くことにした。キラキラ星の指の位置を基準に、半音高いところは赤、半音低いところは青、と色を変えていく。
　いままでドレミを振るときも、移弦をしたらフリガナを書く位置を変えていたので、その方針はそのまま。
　全部に振るのではなく、集中的に練習するところから振っていく。そこばっかり弾いてみて、運指を定めて、フリガナを振って、またそこばかり練習して、それで今度は通して見る、といった具合だ。

　ちなみに私は、音符に振ってあるドレミを「イタリア語のフリガナ」、指番号はを「アラビア語のフリガナ」と呼んでいる。

演奏は芝居だ

　アマチュアアンサンブルのコンサートを聴きに行った。このアンサンブルを聴くのは3回目だ。
　ずいぶん前に、会社の取引先の方が所属されておられるアマオケのコンサートに行って、プログラムにチラシが挟まっていたので聴きに行ったのが1回目。その時もそうだったが、選曲が自分好みなのだ。場所は今回も隣町のクラシック専用ホール。チェロはプロの先生が客演で演奏された。

　アマチュアといってもここのアンサンブルのレベルはかなり高い。セミプロ級だ。初めて聴いたときから「すごい」とは思っていたが、実際に自分もアンサンブルで弾いてみて、このレベルで弾くのはかなり難しいということがわかった。ほとんどの方は大学のオケの経験があるのではないだろうか。あるいは音大の方もおられるかも、というぐらいのレベルだ。

　選曲もなかなか魅力的。

　客演の方が登場されるのは3曲目。ヴィヴァルディの「二つのチェロのためのコンチェルト」だ。先生は真赤なドレスで登場。きれいな方だ。そして、二つのチェロだからもう一人のソリストがおられる。それはアンサンブルの方なのだが、客演の先生がレッスンをされておられる生徒さんだということだ。

　なんか、めちゃくちゃ　羨ましいぞ
　こんなきれいな先生と、セミプロ級のアンサンブルをバックにして、ステージに二人並んでチェロ弾くなんて・・・

　いや失礼。
　ちょっと違う方向に筆が進んでしまったが閑話休題。

　この日はこの曲が一番印象に残った。何が印象に残ったかというと、プロの人って顔で演奏するんだ、ってこと。この曲はト短調の重い旋律なのだが、演奏が始まるぞ、と言うときには「来るぞ」という顔が出来ている。気持ちが出来ているのだと思う。歌詞も何もない曲なのだが、ただ音が並んでいるだけではなくて、そこにストーリーがイメージされていて、そのストーリーを演じる役者として演奏しているのだと思う。

　この曲の場合だと主役が2人いるのだが、もう一人の方も先生と同じ顔になっている。まさかレッスンで顔のつくり方を教えてもらう訳ではないだろうから、顔が同じということは気持ちが通っているということだろう。何処のフレーズをどう弾くか、だけではなくて、どう聴かせるのか、というようなことも、きっと何度も話されたことだろう。

　こうして演奏されているとき、先生は、となりの生徒は、いったい何を考えながら弾いているのか、いちど詳しく聞いてみたいものだ。

　私なんかだと、台詞を覚えるだけでレッスンが終わってしまうところだ。本番も台詞を言うのに必死で、演技なんて構っていられない。それに私なら、長いセリフとかのあとにドヤ顔が入ったりしてしまう。それでは芝居にならない。演奏しているふりをするという意味では芝居になるかもしれないが・・・