演奏ノート

　レッスンの状況。

　少しずつは前進しているが、あまり目に見えて前進はしない。後退はしていないだけでも良しとするか。

　先生はいつもそうなのだが、今日もあまり多くを仰らない。ひと通り弾かせて、音程をもっとしっかりとりましょう、特に臨時記号が付いているのと付いていないのの区別がつかない、3指にシャープが付くときに上がりきっていない、という音程に関する指摘と、付点音符のリズムが3連符になっているというリズムに関する指摘。うむ、だいぶ前にも同じことを聞いたぞ。でも練習の仕方は間違っていないので、この調子で練習を続ければ、それなりの演奏にはなりますよ。はい終わり。目指すところの遠さだけは分かった。

　そのあと、アンサンブルの練習の仕方で悩んでいるところをいうと、どんな文脈からだったか忘れたが、先生の演奏ノートの話になった。演奏が終わると必ず、どこで、どういう状態で、どうなったか、その原因は何か、といったことを書き連ねられるそうだ。原因というのは、例えば練習不足ということなのだが、ただ単に練習不足ではなくて、どういう練習が必要だったかとか、そういうことまで分析して書くのだそうだ。

私たちはプロですから

プロの方がみんなそうしているのかどうかは分からないが、先生のストイックさの一面を見たような気がした。きっと、この前のリサイタルでも、聴いている観客が満足したかどうかなんて関係なく、自分はここが満足できなかった、というようなところが必ずあって、それをノートに書き連ね、そこに書いたとおりに翌日からストイックな練習をされているのに違いない。

　私なんかの場合、何を書いていいかもわからない。ま、そこは先生に言われた通り「音程とリズム」と書けばいいのか。さしずめ今日のレッスンだったら、C線でFISを押さえる練習ばかりするとか、付点音符と三連符を正確に弾き分ける練習をするとか、そういうことなんだろう。

　はたしてどれだけ実行できるか？

練習の目標・方向性

　ひとことにヴィオラのレッスン、ヴァイオリンのレッスンといっても、受講生によって、あるいは先生によって目指すところは違うんだ、ということが最近、わかってきた。いや、より正確に言うと、目指すところはそれほど違いはないのかもしれないが、そこへの道程が違うのだとおもう。

　ヴァイオリンのレッスンを受け始めたころは、ヴィヴァルディのA-MOLが弾きたいという私のリクエストに応じて、曲の前から順番に、どうしたらそれぞれのフレーズを弾けるようになるか、というレッスンだった。A-MOLが弾けた後は、カノンだとか、次の発表会の曲だとか、とにかく新しい曲が弾けるようになることが、いつも目標にあった。

　そういう目標の立て方になんとなく違和感を覚えるようになったときに、たまたま先生が退職されて、新しい先生のレッスンを受けるようになり、自分でも目標が定まらない中、わりとストイックなレッスンが続いてきた。前回の記事にも書いたように、それから3年がたって、やっと先生が仰っておられることの意味が分かってきて、それで、いままでの目標の立て方と、この先生との間で立てるべき目標の立て方の違いのようなものも、なんとなく言葉にできるようになった。8月の発表会までにどこまでカタチにできるのか。

　アマオケの方はまた違う。これもメンバーや指導者によって変わるのだろうけど、いま通っているところは、とにかく曲が弾けるようになることが目標だ。もちろん、メンバーの中にはある程度の上位者もおられるが、私を筆頭に、とにかくその曲ばっかり練習してなんとか弾けるようになる、というレベルを目標にせざるを得ない人もいる。そういう人をすくいあげて、みんなで弾けるようになる、というところが目標なんだと、自分では勝手に解釈しているので、1曲1曲のクオリティを追い求めるのではなく、とにかく全曲さらっとさらって、ちゃんと弾けるようにする。その「ちゃんと」の意味は、ちゃんとついていける、とか、途中で弾けなくなっても何処を弾いているかちゃんと楽譜を追えるとか、ちゃんと復活できるとか、最後のところだけでもちゃんと音を出して、全部ちゃんと弾いたかのように、ちゃんと澄ました顔ができる、とか、そういう「ちゃんと」のダイバーシティを求められる。しかし、本質的にはヴィヴァルディのA-MOLを必死に弾こうとしていたころのレッスンと同じ方向性だと思う。こっちのゴールは9月の演奏会。果たして完走できるのか。

　このアマオケとは別に、いつものスタジオとは別のスタジオで、アンサンブルのレッスンを受けていて、これの発表会が7月にあるのだが、これはアマオケともいつものレッスンとも様子が違う。1曲だけをものすごく丁寧にするところは、いつものスタジオと同じなのだが、アンサンブルなので、音程やリズムを合わせていかないといけない。自分が弾ける速さでゆっくりと、という訳にはいかない。こちらのレッスンは２～３カ月に1回というペースなのだが、ほかのメンバーは同じスタジオでソロのレッスンも受けておられるので、月に何回かは同じ先生のレッスンを受けておられるはず。音程とリズムを合わせるためにも、練習の方向性を合わせていかなければ、といまさらながら、やや焦らないわけでもない。

　最初にもいったが、たぶん、最終的にはどの練習でも目指すところは同じなのだと思う。ただ順番が、1曲を丁寧にやったあとで、何曲あってもちゃんと弾けるようにするのか、まずは何曲も課題があってそれがひととおり弾けたあとで、1曲ずつのクオリティを上げていくのか、そういう違いなのだと思う。

左手が追い付かない

　先生のコンサートを聴いてから初めてのレッスン。コンサート前は誰でも気が立つものでレッスンも厳しくなりがちだったけれど、コンサートが終わっても相変わらずレッスンは厳しい。厳しい理由は他にありそうだ。

　コンサートで感じた先生のストイックなところは、昨年、子供たちの発表会を聴いて感じた「攻めてくる」演奏につながっているのかもしてない。「間違えないように弾く」というような「守りの演奏」ではなくて、「聴かせる」というような演奏だ。今日のレッスンでのお話を聞いていても、先生が発表会に求められているのはそこなんじゃないかと思った。いままでもきっと仰っていたのだと思うが、子供たちの発表会と先生のコンサートとレッスンで仰ることがつながったときに、

そういうことか

と心に落ちるものがあった。それにしてもそこまでの道程は厳しい。

　毎度のことだが、レッスンで仰ることはとても基本的なことで、それも毎回それほど変わらない。しかし、基本的なことほど理解するのには時間がかかる。今日も言われることは、速く弾くのではなくて、ゆっくりちゃんと弾く練習をしましょう、ということだった。これ、太字にしているけど、前にも言われているよな。ただ「ちゃんと」と意味が分からないまま、ちゃんとしようとしても、ちゃんとはならない。先生が仰るには、左手が遅い、ということだったので、何度も練習をして、次は何の音か迷わずに指が動くようにしてきたのだが、それは半分合っていて半分間違っていた。

　まず暗譜しようという姿勢は褒められた。暗譜がしっかりしているところはそれなりにしっかり弾けている。とくに緩楽章の最初と最後は、聴いていても「暗譜してきたんだな」ということが分かるということだった。ただ、最初のあとから最後の手前までは、まだしっかり暗譜ができていない。これはしっかり暗譜すれば良くなるように思ってもらえたようだ。

　これに気をよくして急楽章の方を弾いてみる。

　嗚呼、弾けない。

　いろいろ不本意な演奏。だいたいこういう場面では、練習10回やっていちばん下手っぴだったときの音になっているものだ、しかし、頭の中には、練習10回やっていちばん上手く弾けたところがあるもの。先生によれば、

それはまぐれです

とのこと。はい仰る通り。あまりにも的確なご指摘だったので、瞬時に理解できた。疑問の余地はまったくない。

　それはさておき、今日わかったことは、左手が遅いというのは、テンポではなくて、右手の動きに比べて遅いということだ。そこを注意しないでいくらゆっくり練習してもだめだ。そうだ、音を止めて練習しなさい、ということも仰っておられた。そういうことか。

　つまり、右手が弓を返したり、弓を動かし始めたり、音の出初めのところのインパクトを掛け始めているときに、左手がまだその音のフィンガリングを完了していないということだ。だから、レーーミーーファーー、となるべきところが、レーーレミーミファーとなったり、ッレーーェミーーィファーーとなったりする。ただそれも素人には聞き取れたり聞き取れなかったりするので、ほら、いまのところ、と先生に言われて、なるほどホントだ、と思うときと、えぇそうですかぁ、と思うときがある。これが良くない。自分の音を聞くときはちょっと厳しめに、どこがダメか、もとい、どこを直せばもっと良くなるか、小さなところまで耳を澄ませて聴くようにしないとダメだ、と仰る。やはりなかなかストイックだ。

　発表会は8月の終わりなんだが、そういう時は7月の終わりぐらいに思っていていい加減。それじゃ6月の終わりまでにはテンポ通り弾けるようにしないと、どう弾きたいかというような味付けはできない。6月の終わりまでにテンポ通りということは、5月の終わりまでにゆっくりでいいからちゃんと弾けるようになっていないといけない。

　そう、ちゃんと弾く。

　ちゃんと、というのは、右手と左手のタイミングがちゃんと合っていて、次の音の準備もしっかりできるようになり、そのためには暗譜がちゃんとできている。そういう状態にあと1ヶ月でもっていく。

　うむ。とにかく練習だな。

　

先生のコンサート

会場正面

　先生のコンサートを聴いてきた。

　隣町の郊外だったので、家に帰ってくるのに2時間近くかかる。そう、もう2時間前のことなのに、なんだか、いまでも、ものすごく興奮している。

嗚呼、よかった。

素晴らしかった。

　それ以上に言いようがないのだが、本当に良かった。

　客席200の小さなホールは満席。当日券を当てにしていった私は、ロビーでキャンセル待ちをすることになった。たまたまスタジオのご主人が来られ、奥様が急に来られなくなったとのことだったので、入場できた。これは有難いことだ。先生のコンサートが満席になるというのは、それはそれで嬉しいが、自分が入れないのは悲しい。そこに空席ができてしまうのも残念なのだが、その空席を自分が埋めることができた。

　ステージに登場した先生はとても綺麗だった。

　曲はちょっと難しい。前半はそんなことに気を取られていたりしたが、そうだ、曲を聴きに来たのではなくて、先生を見に来たんだと、気を取り直し、先生の呼吸を感じながら聴き入る。こういうのは小さな会場ならではなんだが、それも、レッスンでいつも「ちゃんと息をしましょう」といわれている私以外にこんな聴き方をする人もいないだろう。

　そんな聴き方をしていると、先生がますます綺麗に思えてくる。

　演奏はもう異次元だ。こんな先生に、なんど言っても同じことばかり注意されて、ちっとも上達しないおっさんのために45分も時間を使うのは浪費のようにも思える。きっとその45分があれば、相当ストイックな練習をされるのだろう。いや私も、その45分が浪費にならないようにストイックに練習をしなければいけないのだが、いやいやそれこそ次元が違う

　演奏だけではなく表情からも、ストイックな練習をされてきたことが伝わってくる。いまの演奏に満足していないのか、自分の演奏を冷静に批判的に振り返っているのか、演奏が終わったときもツンとした感じで、笑顔はない。それが急に変化したのは、プログラムが全部終わってアンコールがかかった時だった。舞台から挨拶をされる先生の声が震えていて、いまにも泣き出しそうなのを必死にこらえて話しておられる。いちど表情を崩すと、もう、ちょうどいい感じの笑顔なんて作れなかったのかもしれない。

　ホールの大きさに関係なく、ライブというのは、必ず聴衆の思っていることが演奏者に伝わり、演奏者の考えていることも聴衆に伝わる。それが互いに共鳴し、そこにいる全員が演奏者のように、そしてホール全体が楽器のように鳴り響く。これがライブの醍醐味だと思う。YouTubeで聴くのとは全く違うし、どんな高価なステレオセットを使ってもこれには敵わない。

　なんども言うが、良かった、素晴らしかった。そして先生は綺麗だった。写真に撮って「ほら綺麗でしょ」というものではなく、そこに見えるもの、聞こえるもの、空気の感触、そのほかすべてのものが先生の美しさのためにあるようなステージだった。

Bravo！

コンサートにお花を

　来週は、いつもお世話になっている先生がコンサートをされる。オーケストラのひとりとかじゃなくて、チラシに先生の写真がドンと載るようなコンサートだ。これは嬉しい。なんで、って特に理由はないが、すごいことだと思う。

　先週、たまたまコンサート会場の近くに用事があったので、帰りに会場近くのお花屋さんを探して、差し入れをお願いしてきた。もちろん、電話でも頼めるのだが、やはり実際にお花屋さんを見て、店主の顔を見て注文したい。こういう花をこんなふうに、とこと細かくお願いするほど花の知識もないので、細かいことはお花屋さん任せになってしまう。それで、コンサートのチラシを持って行って、

この先生に贈るんです

と言えば、写真のイメージで良いようにしてくれるのではないか、などと考えて、実際にそうした。先生はまだ若く、歳だけでいえば親子ほども離れている。きっと色目の良いカーネーションなんかを使って、可愛らしく華やかにアレンジしてくれることだろう。なんて思いながら注文票に電話番号とかいろいろ書いていたのだが、どうやら店主は二人の関係が気になるようだ。父親なのか、父親の友人なのか、パトロンなのか、いやあるいは所謂パパなのか。それによって花の感じも変わるのだが、どうもそこを測りかねたように

ヴァイオリンですか・・・

といってこちらの反応を覗っている様子。いや、その前に写真を指差して「この先生」って言っているのだから先生と生徒でしょ、と言いたいところだか、そこはあまり考えずに、「習っているんですよ。四十の手習いで。」と言うと、うしろで作業をしていた、奥さんだか、娘さんだか、アルバイトをしている娘だか、どうもそのへんの関係の定かでない女性もいっしょに破顔一笑。どうやらお花のイメージも決まったようだった。

気に入ってもらえると嬉しいのだが。